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Los grandes pintores contemporáneos

ROTHKO Mark

ROTHKO es el representante principal del movimiento “expresionista abstracto”.
Es una expresión espontánea del inconsciente en la representación de formas caóticas.
Es un procedimiento completamente opuesto al de MALEVITCH. Un abandono del mundo lógico. Rothko se expresa exclusivamente a través del color, que deposita en capas sobre el lienzo.

BIOGRAFÍA:
¡No es verdad que no podamos realizar una buena pintura sirviéndonos de nada!
Mark Rothko nacido Marcus Rothkowitz, abandona Rusia y emigra a los Estados Unidos a la edad de 10 años en 1913. Con su madre y su hermana, se reúne con su padre y sus hermanos. Su padre morirá un año después y los niños deberán trabajar para garantizar el alimento de la familia.
Mark obtiene una beca de la Universidad de Yale, luego, en 1924, se inscribe en la Arts Students League de New York donde estudiará con Max WEBER.
Con solo 25 años (1928), expone junto a un colectivo en « la Galería de las oportunidades” (NY). Es en 1933 que expone en solitario en el Museo de Arte de Portland.
En 1935, funda junto a Adolph Gottlieb y otros ocho pintores, el grupo The Ten influenciado por el expresionismo.
Durante 10 años, trabaja en el marco del Federal Art Project (FAP). Desde 1940, su arte impregnado de expresionismo intimista se orienta hacia el surrealismo europeo.
En 1945, integra en sus obras técnicas surrealistas. En esa época pinta grandes lienzos propios del expresionismo abstracto. Expondrá en la galería vanguardista de Peggy GUGGENHEIM.
En los inicios de los años 50, es la madurez del estilo: rectángulos de colores luminosos aparecen como suspendidos sobre el lienzo.
En 1958 pinta lienzos monumentales para el restaurante Four Seasons de Nueva York.
En 1961, una exposición importante le es consagrada en el Museum of Modern Art de Nueva York.
Enfermo de cáncer, se suicida en su atelier el 25 de febrero de 1970.
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SOULAGES Pierre

BIOGRAFÍA:

Pierre SOULAGES, pintor contemporáneo, nació en 1919 en Rodez, Francia.
Desde muy joven se interesa por el arte romano y la prehistoria. Comienza a pintar en esa provincia francesa aislada donde no han penetrado las corrientes artísticas contemporáneas. A los 18 años, se va a París para prepararse para el concurso de entrada en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. Fue admitido pero, convencido de la mediocridad de la enseñanza dispensada, se niega a entrar y parte enseguida a Rodez. Durante esa breve estancia en la capital, frecuenta el museo del Louvre y tiene la oportunidad de admirar las exposiciones de Cézanne y Picasso que constituyen una revelación para él.
Movilizado en 1940, desmovilizado en 1941, Paris bajo la ocupación, Soulages viaja a Montpellier y frecuenta asiduamente el museo Fabre de Montpellier, también bajo la ocupación. Comienza para él un periodo de clandestinidad durante el cual no se dedica a la pintura.
Solo en el año 1946 puede consagrar todo su tiempo otra vez a la pintura. Se instala entonces en los suburbios parisinos. Sus lienzos -donde el color negro se impone- son abstractos y sombríos, y son enseguida remarcados por diferenciarse de la pintura semi-figurativa y abundante en colores de la posguerra. Encuentra un atelier en París, en la calle Victor-Schoelcher, cerca de Montparnasse. En 1948, participa en exposiciones en París y en Europa, sobre todo en la « Französische abstrakte malerei », que tiene lugar en varios museos alemanes. Es sin duda, el más joven de ese pequeño grupo de pintores que reúne a los primeros maestros del arte abstracto: Kupka, Domela, Herbin, etc. El afiche de la exposición es una de sus pinturas en blanco y negro.
1949, exposición personal en París, galería Lydia-Conti; y exposiciones del grupo en Nueva York, Londres, Sao Paulo y Copenhague.
De 1949 a 1952: realización de 3 decorados de teatro y de ballet. Primeros grabados al agua fuerte en el atelier Lacourière.
Otras exposiciones en grupo presentadas en Nueva York realizan un recorrido más tarde por diversos museos norteamericanos. Es el caso de “Advancing French Art” (1951), “Younger European Artists”, Guggenheim Museum (1953), “The New Decade”, Museo de Arte Moderno (1955). Expone regularmente en la Kootz Gallery (Nueva York), y más tarde en la Galerie de France (París). Desde el comienzo de los años 50, obras adquiridas por la Phillips Gallery (Washington); el Guggenheim Museum y el Museo de Arte Moderno (Nueva York); la Tate Gallery (Londres); el Museo Nacional de Arte Moderno (París); el Museu de Arte Moderna (Río de Janeiro); etc.
Hoy en día, más de 150 de sus pinturas se encuentran en los museos.
1960: primeras exposiciones retrospectivas en los museos de Hanovre, Essen, Zurich, La Haye. Muchas otras seguirán.
1979: Expone en el MNAM del Centro Georges Pompidou, sus primeras pinturas mono-pigmentarias basadas en la reflexión de la luz en los diferentes estados de superficie del negro. Esa luz pictórica que nace de la diferencia entre dos oscuridades, lleva con ella un gran poder de emoción y grandes posibilidades de desarrollo. Se llamará más tarde “noir-lumière” o “outrenoir”.
1987-1994: realiza los 104 vitrales de la abadía de Conques.
1994-1998: Aparición de 3 tomos del catálogo “Soulages, oeuvre complet: peintures”, por Pierre Encrevé, éditions du Seuil, París.
Desde hace poco, otras obras han aparecido, donde ritmo, espacio y luz, nacen de los contactos violentos del negro y del blanco sobre la superficie completa del lienzo. Es otro tipo de luz pictórica.
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KANDINSKY Wassily

KANDINSKY –padre del arte abstracto. Partiendo del expresionismo, se libera de los colores y de las formas de la realidad, acentuando la riqueza de la relación entre los colores y su musicalidad. Aplica las funciones de la música al arte plástico, suponiendo que esto permite explicar mejor el dramatismo de la vida humana.

BIOGRAFÍA:
KANDINSKY nació en Moscú en 1866. Recibe su diploma en la Universidad de Moscú al terminar sus estudios de economía y de derecho. A los 30 años, decide poner su carrera científica a un lado para consagrarse a la pintura.
Se instala en Múnich en 1896 donde estudia en las mejores escuelas de arte (Escuela de Aschbe y la Academia de Bellas Artes de Múnich).
En 1910 Kandinsky escribe De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que le permite de hacerse conocer y difundir sus ideas.
Sus creaciones se organizan entonces en “Impresiones” (dependiendo de la realidad exterior), en “Improvisaciones” y en “Composiciones” (“Improvisaciones” más elaboradas, apoyándose como estas en imágenes venidas del inconsciente). “Composición VII”, en 1913, es la obra más importante de este periodo.
En 1911, Kandinsky organiza el grupo del Caballero Azul (“Der Blaue Reiter”). Los miembros son Franz MARC, David BOURLIOUK y el compositor Arnold SCHOENBERG. Juntos publicarán un año más tarde El almanaque del Caballero Azul, que comprende en particular un artículo de Kandinsky sobre la cuestión de la forma y en el que enuncia que “la forma es la expresión exterior del contenido interior” y que una forma no es a priori mejor que otra. Sin embargo, en 1914 la guerra comienza. Kandinsky vuelve a su país natal.
En Moscú, después de la revolución, Kandinsky deviene vice-presidente de la Academia de Ciencias de Rusia. Intenta aportar innovación a los movimientos artísticos de la época, así como la síntesis de la ciencia y el arte.
A fines de 1921, durante el gran éxodo de intelectuales rusos, parte a Alemania para enseñar en el Bauhaus. Su pintura es entonces geométrica y coloreada (Composición VIII: Trazo transversal, 1923).
Según Kandinsky, el Bauhaus hubiera podido posibilitar su proyecto utópico de reconstrucción de un mundo ubicado bajo el signo espiritual: Kandinsky desarrollará sus investigaciones en la teoría como en la práctica, pero el Bauhaus es cerrado por los nazis en 1933.
Desarrollo en castaño es el último cuadro pintado en Alemania. Se instala en France, en Neuilly-sur-Seine, donde se quedará hasta su muerte en 1944.
Kandinsky sigue siendo el padre de la abstracción y precursor del expresionismo abstracto.

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DE STAËL Nicolas

“Yo hago algo que no se descascara, que no se desmonta, que es válido por sus accidentes, lo aceptemos o no”. Nicolas de Staël

BIOGRAFÍA:
Nicolas DE STAËL nace en una familia aristocrática rusa el 5 de enero de 1914.
Durante la revolución de 1917, abandona Rusia para instalarse en Bélgica.
Muy influenciado por LÉGER y gran admirador de Georges BRAQUE, De Staël es al principio un pintor figurativo que se vuelve poco a poco hacia la abstracción para al fin consagrarle toda su energía. Para él, la materia es algo primordial. La trabaja en bloques de colores, en capas espesas, con un cuchillo, con una espátula, con un raspador, como si fuera un escultor. Anticipa a los artistas plásticos de los años 1970.
Su trabajo es reconocido y saludado por primera vez en 1944 mientras expone bajo la égida de Jeanne BUCHER junto a Kandinsky, maestro de la abstracción.
La posguerra será difícil: vende poco y será muy afectado por la pérdida de su compañera en febrero de 1946.
En 1951, René CHAR le confía la ilustración de su libro Poemas.
Abandonando poco a poco la abstracción para volver a lo figurativo, alcanza la madurez de su arte y el éxito internacional.
La pintura del artista, aunque abstracta, se puede clasificar dentro del expresionismo.
A partir de septiembre de 1954 se instala en Antibes donde trabaja con obstinación: naturalezas muertas, paisajes, marinas… Su producción es exponencial, pero proporcional a su angustia. Su intención no era de repensar el arte, de revolucionarlo; solamente de expresarse. Personal, íntima, su pintura se dirige a nuestro corazón y nuestra alma en primer lugar.
El 16 de marzo de 1955, mientras trabaja en un lienzo monumental, El Concierto, en una sala del fuerte de Antibes puesta a su disposición, De Staël se suicida defenestrándose. Tiene 41 años y deja tras sí más de 1000 lienzos.
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KLEE Paul

Pintor y dibujante alemán nacido en 1879 y muerto en 1940. Primero atraído por la música (aprende a tocar el violín a los 7 años), escoge finalmente la pintura. Utiliza muchísimo las formas geométricas. Pertenece a la corriente del arte abstracto. “El arte no reproduce lo visible, vuelve visible”.

BIOGRAFÍA:
En 1900, Paul KLEE se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde se encontrará con Kandinsky. Luego de varios años empleados en perfeccionar su aprendizaje de la pintura, descubre las obras de Vincent VAN GOGH y de Paul CÉZANNE en la exposición de Múnich. Durante el invierno de 1911, se aproxima del grupo de pintores del “Der Blaue Reiter” (El Caballero Azul). Reencuentra así a Kandinsky. Los tres años que siguen marcan un viraje esencial en el trabajo de Klee, y de su enfoque de la pintura, pero es movilizado de 1916 a 1918.
Su reputación se reafirma después de la guerra y deviene profesor en el Bauhaus (a partir de 1921), junto a su amigo Kandinsky.
Inspirándose siempre del vanguardismo, Klee realiza lienzos de una originalidad impresionante entre sugestiones, onirismo y fantasía (Villa R., 1919; Eros, 1923; Variaciones, motivos progresivos, 1927). Escribe igualmente algunas obras teóricas (El arte moderno, 1924; Carnets de esbozos pedagógicos, 1925).
En 1925 participa en la primera exposición surrealista de París.
En 1931 abandona el Bauhaus por la Academia de Düsseldorf. Será despedido dos años más tarde, bajo la presión de los nazis.
Vuelve entonces a su ciudad natal de Berne. Y allí comienza la última fase de su arte. El formato de sus obras se amplifica, una extrema simplicidad lo empuja a eliminar todo lo superfluo, la textura lineal ligera se refuerza con grandes signos.
Las obras de Klee pertenecientes a las colecciones públicas alemanas son confiscadas; 17 de entre ellas figuran en la exposición de “arte degenerado” de Múnich.
El inventario de su obra, efectuado en 1939, reagrupa no menos de 1253 lienzos.
En 1940, el Kunsthaus de Zúrich expone un conjunto de obras recientes del artista, ejecutadas a partir de 1935.
El 29 de junio de 1940, Klee muere de una parálisis muscular cardiaca.
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POLLOCK Jackson

Su meta no es la obra sino la creación en sí misma. Es inicio de la “pintura de acción” donde el resultado (la obra) tiene menos importancia que el proceso. El gesto del artista es sagrado. Es una figura emblemática del expresionismo abstracto norteamericano.

BIOGRAFÍA:
Jackson POLLOCK, conocido como Jack the Dripper, nace en 1912 en Wyoming y muere en 1956 en el estado de Nueva York. Es uno de los más grandes pintores americanos del siglo XX y uno de los más influyentes “expresionistas abstractos”, célebre por sus grandes lienzos a partir de la técnica del “dripping”.
Durante los años 30, Pollock se implica en el Federal Project de la Works Progress Administration (WPA/FAP) como asistente de pintura mural con el mexicano David ALFARO SIQUEIROS.
Durante su primera exposición personal en 1943 en la galería “Art of this Century” de Peggy GUGGENHEIM, Pollock impresiona a la crítica por la calidad pictórica bruta de sus lienzos. Poco tiempo después, el Museum of Modern Art fue el primer museo en adquirir una de sus obras. Es entre 1947 y 1950 que utiliza la técnica del dripping (del inglés to drip, gotear) y del pooring, Pollock no utiliza ni pincel ni paleta. Pinta con bastones, con una espátula, con cuchillos, con sus manos. Sobre el soporte puesto incluso en el suelo, desplaza en trayectorias bien estudiadas, recipientes con el fondo agujereado, llenos de pintura, que balancea al borde de un hilo. Incorpora arena a sus obras, pero también vidrio roto y otros cuerpos extraños. La utilización de esas técnicas lo volvió célebre gracias a las fotos y a los filmes de Hans NAMUTH.
Muere en Long Island en 1956, en un accidente de auto.
Nos deja más de 700 obras.
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POLIAKOFF Serge

La historia de Serge POLIAKOFF (1900-1969) es indisociable de lo que llamamos la Escuela de París de los años 1950. Durante ese periodo, que comenzó poco después de la Segunda Guerra Mundial para terminarse hacia 1960, un fuerte entusiasmo impulsó muy lejos diferentes formas del arte abstracto.

BIOGRAFÍA:
Nacido en Moscú en 1900, emigrado en 1917, llega a París en 1923. Poliakoff llega a la abstracción a partir de 1937, año de su encuentro con Wassily Kandinsky y Otto Freundlich, y más tarde con la pareja de Sonia y Robert Delaunay en 1938. Este último muere en 1941, Kandinsky en 1944, Freundlich, en cuanto a él, es asesinado en 1943.
Esta sucesión de desapariciones coloca a los jóvenes, entre ellos a Poliakoff, en una situación particular. Adeptos a principios que no han inventado, se benefician del reconocimiento y del éxito que la primera generación no recibió -muy al contrario. Están en Francia, son los primeros abstractos aceptados por un público cada vez más numeroso y por museos que tratan de hacer que se olvide que no se han interesado antes ni por Mondrian, ni por Kupka, ni por Kandinsky, ni por Freundlich, que vivían todos en Francia en los años 1930.
Desde 1947, Poliakoff recibe el premio Kandinsky, creado por su viuda Nina. Es defendido por la galería Denise René. Sus lienzos circulan en Europa y hasta Estados Unidos. Las compras y las distinciones se suceden. Se habla de él en las revistas, y sus cuadros se utilizan en el decorado del filme que Otto Preminger adapta de Bonjour tristesse, de Françoise Sagan. Conduce un Rolls-Royce, compra caballos de carrera, cultiva su dandismo. Éxito.
Pero la tendencia se invierte: el nuevo realismo, el pop, los vanguardistas minimalistas y los conceptuales no tienen nada que hacer con una pintura fundada en equilibrios de polígonos coloridos y efectos de textura. El desinterés gana espacio tan rápido como lo había hecho el entusiasmo. Entre los pintores aparecidos en la posguerra, Pierre Soulages y Hans Hartung son los únicos que no sufrieron del reflujo que arrastra a sus contemporáneos lejos de las miradas. Es verdad que ni Soulages ni Hartung descienden de Kandinsky o de Delaunay, y que aquellos defienden su singularidad y sus experiencias propias. Puede ser una explicación.
Como todos los artistas de la abstracción integral, Poliakoff explora las relaciones entre la línea y la superficie, el fondo y la forma, el color y la luz. La aparente unidad formal de sus obras disimula en realidad una multiplicidad de soluciones pictóricas que el recorrido de la exposición vuelve legibles. Los colores concentrados, la vibración de la materia, así como la sabia disposición de las formas que se equilibran en una tensión enérgica contenida, se asocian para jugar juntos un rol capital.
Es esa la lectura propuesta, mostrando la singularidad de un enfoque particularmente sensible y la espiritualidad intensa de una obra que no tiene otro objeto que ese “sueño de formas en sí que es el gran misterio a dilucidar en lo abstracto”. (Pierre Guéguen).
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MALEVITCH Kazimir

MALEVITCH es el creador teórico del suprematismo (movimiento de arte abstracto que confronta la simplicidad de las formas, su constructivismo y su utilidad con el “caos” de la naturaleza). Su geometría suprematista es la experiencia sensorial humana por excelencia, es un reemplazo de la diversidad de formas visuales por los signos de la potencia suprema proveniente del mundo concreto.

BIOGRAFÍA:

Nació en 1878 en Kiev, Ucrania y muere en 1935 en Leningrado.
De 1895 a 1896, comienza sus estudios artísticos en la escuela de dibujo de Kiev. Se instala en 1902 en Moscú con la ambición de devenir pintor. Estudia en el Instituto de pintura, de escultura y de arquitectura. Después, de 1906 a 1910, integra el taller de Fiodor RERBERG. Así comienza su carrera artista plástico en Moscú.
Malevitch comienza pintando escenas populares con tonos violentos, cercanos al fauvismo. Luego, en una temática paisana, escoge reducir sus motivos a algunas formas geométricas (El leñador, 1912).
En 1913, realiza los decorados y el vestuario (geométricos) de una ópera de MATIOUCHINE, Victoria sobre el sol.
Se orienta entonces hacia una obra cada más personal que, olvidándose de la lógica, yuxtapone elementos diversos en el desorden, allí donde pueden presentarse en su universo mental. Es el alogismo y lo transmental; en ruso: el “zaum”.
Durante una exposición intitulada “Última exposición futurista de cuadros: 0.10” en Petrograd en diciembre de 1915, Malevitch presenta un arte de abstracción geométrica: círculos, cuadrados, líneas rectas, semicírculos.
Malevitch presenta allí el Cuadrángulo negro, un cuadrado negro sobre fondo blanco. A través ese cuadrado negro sobre fondo blanco, se libera de la pintura que hace referencia, que significa o que representa. Esta obra no porta un sentido, la obra “es” simplemente. Malevitch funda el suprematismo, nombrado así puesto que la pintura alcanza con él el grado supremo de la pureza.
Malevitch ha creado una nueva forma de pintura, desproveída de sentido, abstracta y más allá de toda significación conocida hasta entonces.
Continúa su búsqueda sobre las formas y los colores que manifiestan el movimiento: en la serie “Cuadrado blanco sobre fondo blanco”, en 1918 las formas aparecen en la diferencia de los tonos mate.
Muere en 1935. El público lo vuelve a descubrir en 1970, como fundador del suprematismo.
El suprematismo
Malevitch crea este movimiento para no representar nada más que lo esencial, que pasa por tres elementos.
-La forma
El movimiento privilegia tres formas: el círculo, la cruz y el cuadrado. Se prefiere el cuadrado porque es una forma básica y universal.
-Los colores
Son primarios y responden a ciertas exigencias: el blanco para el fondo, que significa el infinito; el negro para el cuadrado; el rojo para las otras formas.
-El espacio
Los suprematistas buscan una cuarta dimensión. Esta última es creada gracias a capas de pintura superpuestas. El suprematismo deja al espectador la libertad de descubrir.
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